Liu Wenyuan, Faculté de musique, Université normale du Sichuan

Cartes de visite personnelles :

Liu Wenyuan, membre du PCC, est diplômée de l'école de musique de l'université normale du Sichuan avec d'excellentes notes scolaires, et a été admise au master de piano à l'école de musique de l'université normale du Sichuan en 2023 avec la première place dans les notes professionnelles sous la tutelle du professeur Xubihai. Elle a reçu le deuxième prix dans le groupe des jeunes du cinquième concours international Liszt de piano pour les jeunes.

La prestation de Liu Wenyuan au 9e concours de piano de la Coupe de la Société 2023Debussy est à l'origine de la musique impressionniste.avec sa pensée musicale unique, son langage musical extrêmement créatif.qui stimulent l'imagination de l'auditeur.nommé d'aprèsThèmes musicaux miniaturisés, orchestrations uniques et inédites, textures musicales et effets sonores oniriques et brumeux.L'auditeur peut ainsi, en un instant, percevoir subjectivement l'image de marque de l'entreprise.Le style impressionniste de Debussy.Le rôle influent qu'il a joué dans le domaine de la musique moderne au XXe siècle a fait date.Cet article explore la beauté de la musique dans le Prélude pour piano de Debussy sous quatre angles : le profil personnel, le style musical, la technique d'interprétation et la pensée esthétique.

Claude Debussy (1862-1918), compositeur français esthétiquement jouer d'un instrument de musique

  Achille-Claude-Debussy est l'un des principaux représentants de l'impressionnisme français du XIXe siècle et, bien que Debussy n'aime pas que sa musique soit définie comme "impressionniste" par des personnes extérieures, son œuvre est tout à fait à part.Né à Paris, en France, en 1862, il est l'un des grands compositeurs et fondateurs de la musique moderne. Né à Paris, en France, en 1862, il fut l'un des plus importants et des plus grands compositeurs et fondateurs de la musique moderne dans l'histoire de la musique occidentale. Il a été profondément influencé par les écrivains et les poètes de l'école symboliste tels que Mallarmé et les peintres tels que Monet, et a été profondément attiré par la musique de certains pays orientaux jouée par l'orchestre javanais Jameelan Band lors de l'Exposition internationale de Paris en 1889. Il a également été inspiré par l'école nationale russe de musique, en particulier par le son coloré, libre et audacieux de Moussorgski. Il a loué Wagner pour ses similitudes avec les poètes symbolistes, notamment dans les mots, la musique et les couleurs, mais il s'est opposé aux effets dramatiques exagérés et à la catharsis émotionnelle excessive de Wagner. Il a donc adopté une approche différente et a créé une voie unique et individualiste de l'impressionnisme. Les créations musicales de Debussy, impliquant le piano, l'opéra, les œuvres orchestrales, créées en 1896, la suite pour piano "Pour piano" est devenue un tournant dans l'œuvre créative de Debussy, le vocabulaire unique du piano impressionniste a commencé à mûrir.

Le style de la musique pour piano de Debussy

Debussy n'a pas étudié les règles de la composition musicale dès son plus jeune âge, jouant souvent une série de quintes parallèles au piano et ne respectant pas la "connexion harmonique" du son, bien que sa création originale n'ait pas été appréciée, mais cela ne l'a pas affecté le moins du monde, fasciné par la combinaison inhabituelle de sons et d'effets tonaux. Le style de composition pour piano de Debussy peut être grossièrement divisé en trois périodes : la première période de création (1884-1890), la période de maturité (1890-1910) et la période tardive (1910-1918). Au début de sa carrière, Debussy aimait visiter des galeries et lire des poèmes et des pièces de théâtre. À cette époque, les poètes et les peintres aimaient rechercher une atmosphère fugace et ambiguë, et le thème n'avait plus d'importance. Comme Debussy évoluait dans une telle atmosphère culturelle, il a peu à peu formé ses propres idées esthétiques et sa propre vision artistique, et il aimait expérimenter de nouvelles combinaisons acoustiques et explorer des couleurs d'accords non fonctionnelles au piano. La suite Bergame, qui se rapproche d'une esquisse lyrique romantique, mais dont l'impressionnisme est encore à un stade vague et brumeux. À la fin du XIXe siècle, le style impressionniste de Debussy se forme progressivement. Par exemple, le prélude orchestral "L'après-midi pastoral", l'opéra "Pelléas et Mélisandre", la pièce pour piano "Pour le piano", "Collection d'images", "Estampes", etc. Il pensait que la fin du langage est le début de la musique, et il préférait que la musique vienne du royaume de l'éthéré et que l'expression du langage ne puisse pas être transmise par le contenu de l'acoustique riche et détaillée et des variations tonales scintillantes. Dans les dernières années de sa vie, il a surmonté la douleur causée par sa maladie et a composé avec ténacité, développant son langage musical dans le sens d'une plus grande complexité et d'une plus grande abstraction, comme les Préludes, une pièce pour piano en deux parties qui s'inspire de l'essence de l'impressionnisme, et les Douze études pour piano, qui sont dédiées à Chopin.

Technique du "Prélude" pour piano de Debussy

Le Prélude est composé de différents fragments courts, reprenant le genre des suites de danses des XVIIe et XVIIIe siècles, utilisant un grand nombre de progressions parallèles d'accords de formes diverses, l'introduction libre de relations distantes, et des gammes à tons entiers, où les dissonances deviennent moins dures, et où l'on entre dans un monde acoustique coloré.

La structure de l'ensemble de la pièce est similaire à celle d'une sonate classique, principalement divisée en cinq parties ABCA1B1 et la coda, avec les mesures 1-42 comme section A, les mesures 43-70 comme section B, les mesures 71-96 comme section C, les mesures 97-118 comme section A1, les mesures 119-147 comme section B1, et les mesures 148-163 comme coda.

La mélodie principale est concentrée à la main gauche, et la main droite apparaît sous la forme d'un accompagnement en accords décomposés, mais elle ne doit pas être trop faible, les accents étant dominés par la main gauche, avec un ton plein et un sens aigu du rythme, et l'effet général des touches doit être dynamique et incontrôlable.

Section B (43-70), il s'agit de la première variation du thème, des accords de colonne très explosifs apparaissent, équilibrant la taille, les muscles du dos, les épaules, les grands bras, les coudes, les petits bras de la force du corps progressivement transférée aux doigts, puis vers le bas des touches, l'utilisation de la force interne, plutôt que de simplement claquer le piano, de sorte que l'effet acoustique est majestueux, la tendance est de s'enfoncer, d'appuyer pleinement sur la pédale droite et de changer une fois par barre de mesure. La partie de grattage est jouée avec les troisième et quatrième doigts, ce qui est cohérent et précis, créant un effet sonore éthéré et éthéré.

Section C (71-96), la main gauche est dominée par un vibrato soutenu, les doigts jouent contre les touches, soulignant les tonalités d'accord de la main droite, notez que le mp et le p dans les mesures 87 et 88 doivent produire un certain effet de contraste, et la précision rythmique des mains gauche et droite doit faire l'objet d'une pratique rigoureuse supplémentaire, cette partie ne se contente pas d'appuyer sur la pédale de sustain, mais doit également appuyer sur la pédale faible, créant ainsi un sentiment d'atmosphère éthérée.

La section A1 (97-118), une reproduction exacte du thème A, a une réponse solide et robuste de la main gauche dans le raclement de la mesure 118.

Section B1 (119-147), les changements de la section B sont reproduits, avec des indications ppp apparaissant dans les mesures 142-147, nécessitant une pédale faible, soulignant la direction des accords des mains gauche et droite, avec un toucher doux, en jouant près des touches, et une acoustique progressivement plus forte.

Coda (148-163), 148-157 pour la section colorée, 158-163 pour la section finale. 149 mesures de croches et de noires où vous pouvez jouer relativement librement, 150-157 mesures imitant l'acoustique de la harpe, ici les compétences de doigté de la gamme doivent être croisées, souvenez-vous de ne pas manquer le ton, jouez contre les touches, l'utilisation de la pédale faible et la puissance des doigts pour rendre l'effet du jeu faible graduel très évident, rendant le ton clair comme du cristal. 156, 157 mesures doivent utiliser le doigt haut, la puissance du bras pour jouer un son fort et solide. L'effet de crescendo et de diminuendo est très évident, rendant le son clair comme du cristal. 156 et 157 mesures, vous devez utiliser la force des doigts et des bras pour jouer un crescendo et une acoustique solide. 158-163 mesures d'accords en colonne sont nécessaires pour ff, changer les pédales une fois par mesure, et utiliser la puissance du bras supérieur, pour jouer des effets acoustiques plus magnifiques et plus puissants.

L'esthétique musicale du "Prélude" pour piano de Debussy

(i) La beauté de l'humeur dans la musique

  Wang Changling a avancé l'idée qu'il existe trois domaines dans la poésie, à savoir le domaine du sens, le domaine des objets et le domaine des sentiments dans ses Grammaires poétiques, ce qui a marqué la naissance du domaine du sens, et Wang Guowei a conféré un statut de maturité à la théorie du domaine du sens dans ses Paroles de l'humanité. Le contexte est une catégorie importante de la tradition esthétique classique chinoise, l'art classique chinois accorde une grande attention au contexte, qui apparaît dans tous les aspects de la musique, de la peinture, de la poésie et d'autres arts, le contexte se réfère à la poursuite par l'artiste d'un scénario de mélange, de réalités réelles et imaginaires dans les activités de création artistique, c'est l'unité des émotions subjectives et de l'image objective. Le concept d'humeur apparaît également dans la culture occidentale, bien que le degré d'appréciation du concept d'humeur diffère grandement entre la Chine et l'Occident, mais il est inséparable de l'amour et de la révérence pour toutes les choses de la nature.

  Romain Rolland a fait l'éloge de Debussy pour avoir "essayé d'exprimer uniquement l'impression du moment, sans se soucier de ce qui se passe après, de sorte qu'il est insouciant, libre et lisse, profitant du plaisir du moment" et pour avoir été "un grand peintre de rêves". Debussy rejetait les systèmes tonaux majeurs et mineurs traditionnels et utilisait à la place de nombreux modes orientaux, tels que la gamme pentatonique, et aimait également utiliser les caractéristiques nationales typiques de la gamme à huit tons et de nombreux modes médiévaux. Il était doué pour édulcorer la tonalité et la rendre instable afin que la musique soit libre et pleine d'ambiance, ce qui était unique au vocabulaire de Debussy, et il croyait que la création musicale n'existait pas seulement en surface mais pouvait atteindre le cœur humain, et que la majorité de sa musique pouvait être perçue visuellement. La plupart de ses œuvres permettent de ressentir intuitivement la beauté de la nature, comme la musique pour piano "Clair de lune", "Jardin sous la pluie", "Tour", etc., qui utilise des thèmes musicaux dramatiques et fantastiques, d'étranges harmonies colorées et des trames toujours changeantes pour créer une atmosphère mystérieuse, réalisant un royaume d'intégration de scénarios, avec une beauté de sens unique.

  Dans le "Prélude pour piano" de Debussy, l'utilisation d'un grand nombre de courtes mélodies thématiques rend l'atmosphère musicale pleine d'une beauté unique, telle que la partition 1 estompe les caractéristiques des tonalités majeures et mineures, la ligne mélodique est fluide et claire, la musique est colorée et colorée, et un grand nombre de passages en tons entiers exige de l'interprète qu'il rende la force et la faiblesse de la musique très évidente et contrastée par rapport aux effets sonores des passages en gamme naturelle. Et il y a un contraste évident avec l'acoustique de la gamme naturelle, la dernière partie de la fin exige que le ton soit plus plein et atteigne progressivement un point culminant, comme si vous pouviez voir l'eau sous le soleil scintiller, une vague battre une vague de la scène, la beauté de cette humeur instantanée dans les yeux, l'émergence d'un ton cristallin, étincelant, rêveur, donnant aux gens un sentiment d'inassouvissement, pour créer une ambiance éthérée, brumeuse, rêveuse. La beauté de l'humeur.

Partition 1 (mesures 153-157)

Liu Wenyuan joue au piano le "Prélude" de "Pour le piano".

Debussy était doué pour donner à la musique une humeur libre et une beauté abstraite, généralement inspirée par le vent, la pluie, le tonnerre, l'eau de mer et d'autres paysages naturels, donnant à l'auditeur l'occasion de jouer avec son imagination, comme dans la partition 2, le début de l'introduction utilisant des tonalités mineures pour créer une couleur sombre, et une mélodie chromatique glissant progressivement vers le haut, comme pour voir un jour d'hiver enneigé et amer, les gens sur la route glacée qui les précède. La mélodie est un peu comme si l'on voyait des personnes voyageant sur des routes glacées par un jour d'hiver glacial.

  Score 2 (mesures 1-9)

 La musique de Debussy donne toujours aux gens l'impression de regarder les fleurs dans le brouillard et de chercher la lune dans l'eau, sans description de choses spécifiques, et cherche à capturer le sentiment d'un moment et à créer une beauté unique de l'humeur, lorsqu'on l'apprécie, tout dépend de notre expérience et de notre imagination.

(ii) Le lien entre la musique et la peinture

  La musique et la peinture sont deux concepts qui ne pourraient jamais s'entremêler, la première faisant appel aux sens auditifs des gens par le son et la seconde faisant appel aux sens visuels des gens par les lignes et les couleurs, mais dans les œuvres d'art, les deux s'interpénètrent et s'entremêlent toujours, et ce sont aussi les sujets préférés des artistes. Dans la musique, certains morceaux sont loués pour leur beauté comme s'il s'agissait d'une peinture, et dans les peintures, il y a des images qui sont aussi belles que la musique.

  L'élément pictural le plus important en musique est la ligne, qui est la mélodie esquissée dans différentes positions de hauteur avec le temps comme pinceau, se manifestant dans les intervalles verticaux et les relations temporelles horizontales, comme le ton principal de la mélodie à la main gauche dans le morceau illustré dans l'exemple de partition 2, qui représente la ligne de la direction de la musique. Les lignes en musique ne sont pas les mêmes que les lignes en peinture, qui constituent en fin de compte une image concrète, alors que les lignes en musique représentent simplement un état abstrait de mouvement et ne peuvent pas être directement vues et ressenties comme une image concrète.

L'élément pictural de la musique est également la couleur et la forme. Berlioz a dit un jour : "L'orchestration est l'application de divers éléments acoustiques pour la mélodie, l'harmonie et le rythme de la coloration", ce qui peut être considéré comme la couleur de la musique dans les effets acoustiques. La musique de Debussy a souvent une couleur mystérieuse, il est comme les peintres impressionnistes, il se concentre uniquement sur la couleur, la lumière, sans prêter attention au contour, dans le but de créer un moment de rêve et de beauté, de rendre la musique floue et errante.

Exemple de partition 3 (mesures 47-55)

La modélisation de la musique n'est pas comme la peinture, qui utilise des lignes et des couleurs pour former une certaine position structurelle sur le plan, mais il s'agit d'une modélisation acoustique invisible, comprenant des relations spatiales telles que le haut et le bas, la gauche et la droite, l'avant et l'arrière, le proche et le lointain. Par exemple, dans l'exemple 1 de la partition, l'exécution en échelle continue donne une sorte d'effet acoustique de flux de près à loin, de gauche à droite et d'avant en arrière, et ce type de zone sonore donne un certain espace à l'imagination, et le contraste entre la force et la faiblesse peut également créer une sorte de sensation spatiale de près et de loin, qui ne peut pas être transformée en une image visuelle claire, mais ce type de contour flou peut être profondément gardé dans le cœur des gens.

post-scriptum

  La musique de Debussy est très éloignée de la musique classique et romantique, sans la structure rigoureuse et les idées profondes de la musique classique, ni les émotions riches de la musique romantique, mais plutôt des fantaisies étranges, des sentiments flous et des couleurs magiques et imprévisibles, conduisant l'auditeur à entrer dans un monde coloré et merveilleux, mais aussi très précieux d'un point de vue esthétique, fournissant une richesse d'inspiration et de révélation pour les futurs compositeurs, et il est connu à juste titre comme le "Peintre d'images au piano". Il est connu comme le "peintre du piano". Ce document explore principalement les techniques d'interprétation et la valeur esthétique de son " Prélude ", en combinant sa propre expérience d'apprentissage et son expérience pratique, dans l'espoir de servir de référence à d'autres.

Références :

[1] Wang Shih-Liu. Esthétique musicale [M]. Beijing. Higher Education Press.1994.

[2] Zhang Qian. Essais sur l'art de la performance musicale [M]. Beijing. Central University for Nationalities Press. 2004

[3] Shen Xuan. Introduction à la vie et à l'œuvre du compositeur français Debussy, fondateur de la musique impressionniste [M]. Maison d'édition musicale du peuple.1994

[4] Liu, Sweetie. Les caractéristiques artistiques de "Pour le piano" de Debussy et l'utilisation spéciale de la touche et de la pédale dans l'exécution [D]. Université normale de Nanjing.2011   

[5] Pan W. Caractéristiques esthétiques de la musique pour piano de Debussy [J]. Journal of Henan University.2010